“クラシックス”というのは、オフコースの名曲が“クラシック”と呼べる存在だということもありますし、そこに僕のフィールドである、クラシックと呼ばれる音楽のテイストを入れみた、ということでもあるんです。このふたつが込められた言葉ですね。



確かに“オリジナルを踏まえつつ”ではありましたよね。「YES-NO」のベース・ラインなんか、ほぼ、オフコースがやっていたままですし、その上で、そこからちょっと変えていく、みたいなことをしています。でも、ちょっと変えただけで今のサウンドになってしまうのかもしれないですね。



ベースのことを言えば、ワンコーラス目は僕が採譜したオリジナル通りのベース・ラインを演奏していまして、そういう部分もありつつ、そこからの応用なんです。その応用の部分は、実際に演奏しているベーシストの感性でもあるんですけど。さらに「YES-NO」で言いますと、ギターのカッティングがオリジナルのままというより、少し山下達郎さんみたいになっちゃったんですよ。



それがあの曲には、非常に合いますし、なので自然と、エレキ・ギターの人に譜面を渡すとああいうカッティングをやり始めましたね。ただテンポに関しては、オリジナルより若干早いのかな？　



あっはっは。でも確かに、テンポはそっちのほうに近いです。ただ早いといっても（速度記号で）２つぐらいですけどね。さらにこの曲では、弦も足してみて、そしたらアース・ウィンド & ファイアーみたいになっちゃったんですけどね（笑）。でもこれも、そもそも曲自体に“そうしたくなる要素”があるということなんですけどね。



まさに匙加減でしょうけど。あまり変えてしまうと、ファンの方々に怒られてしまいますし。なのでカバーは気を遣います。せっかくやるなら、ちょっとは自分なりに手を加えたいですし、毎回、どのへんに落ち着かせるかが考えどころです。



ヴィブラートを深くかけて歌い上げるでもなく、シンプルに歌ってくださってますが、もうそれだけでバッチリですからね。ああいうのを“本当の歌の上手さ”と言うんでしょうね。プロの歌手の度量の深さに触れることができる歌ですよ。



おっしゃる通りです。でも最初は頭の“♪タタン” が “♪もお～” であるということを、果たして分かって頂けるだろうかと思いましたが……、いやでも……、ファンの方々なら分かって頂けますよね。



そうであるなら嬉しいです。でもあれを“♪タタン　タタ～ン”て続けていくと、ベートーベンに同じシンフォニーがあるんです。なので僕は、「これをずっとやってったらベートーベンが出来るんじゃないか…」って呟きつつ、あの曲のアレンジをやってましたけど。



イントロの繰り返しがあって、そのあと、なぜか僕は上白石さんに“アカペラで歌ってもらおう”って思っちゃったんです。小田さんがどう思われたのか分かりませんけど、おそらく僕には、「さよなら」の歌詞がシャンソンのように聞こえたからこそ、そうしたくなったのかもしれないです。なので同じアカペラでも、彼女にはシャンソンのような、語るようにちょっと崩した歌い方をお願いしたんですよ。結果としては、彼女はいま22歳だったかな？　とてもお若いですし、仕上がりとしては“崩して語る”というより、イノセントなものになりましたけどね。同じ「さよなら」でも、彼女が歌うと高校生の失恋の別れのような、そんな無垢な雰囲気すらしてくるようなね。



歌というのは歌う人によって浮かぶ情景も変わってきますね。なのでこの場合、歌に登場するカップルの雰囲気も、ずいぶん変わってくる気がしました。



あるかもしれないです。上白石さんはお父さんとお母さんがすごくオフコースを聴いてたと言ってたし、お二人が大好きな曲が「さよなら」で、この作品のことはよくご存知だったようですけど。



この曲は竹善さんご自身もライブで歌ってこられてますよね。でも今回は、基本的にオリジナルと同じ構成でやりました。この歌って、“国歌”というか “唱歌” というか、彩りあるメロディというより、ストイックな感覚じゃないですか？ それをピアノ中心にして、あとはコーラスが被るくらいの削ぎ落としたアレンジでやっていたのがオリジナルなんですね。なので、なるべくその雰囲気は踏襲しつつ、でもイントロは、ピアノがやってたものを総て木管に置き換えています。その木管に続いて、しばらく同じようにピアノ一本で歌って頂いてますが、ここは僕の堪えどころのないところといいますか、どーしても、このまま全部、ピアノ一本で行くってわけにはいかないよなぁ～、ということにもなりまして（笑）、途中でリズムを入れようとしたんです。しかもエイトとか16とか、決まった形は自分のなかで馴染まなかった。むしろグチャグチャというか、そんなリズムでいったん壊したくなったんです。もともとフォームがカチッとした曲だからこそ、そうしたくなったというか…。それで中サビくらいのところから一瞬だけドラムが出てくる。ただ、ほとんど一拍がどこなのか分からないようなビートにしておいて、がーっと盛り上げて、再びピアノ一本の世界に戻ることにして…。



あと、「生まれ来る子供たちのために」というのは正にこれから生まれてくる子供達に “何が出来るのか？” ということを仰っている歌なので、少しこじつけかもしれないですが、さっきも言った『オフコース・クラシックス』の “クラシック” の部分として、モ－ツァルトのクラリネット協奏曲を間奏に入れたんですよ。僕個人としても、このモーツァルトの曲は、「次の世代も聴いた方がいいよね」という想いから…。そのモーツァルトも、竹善さんにボーカリーズで歌って頂いてます。なのでこの曲は、構成としては複雑なところもあるんですが、竹善さんだからこそ、ちゃんと歌い上げて頂けましたね。いったん壊す、という部分も含め、彼が歌えばす－っとまとまっていきました。そのあたりが凄いです。



ホントにそうですね。でまた“上手く歌おう”だとか“自分の歌唱力をみせつけよう”だとかってことは、一切しないですから。あくまで淡々と歌ってるんですよね。



いやいやいや、そういう風な感想を仰って頂けたら僕は嬉しいけど、そこまでは考えてないです。たまたま流れでそうなったところがあった。でもアレンジのポイントとして、そう受け止めて頂けたのなら嬉しいですね。でもなんでしょう…。今回、僕がやったらああいうふうになったけど、誰がやってもあそこでは、ひとつの“杭を打ちたくなる”というか、もともとそういう構成の曲なのかもしれないです。



ヴィブラートをかけないと、ホントにつまらない歌になってしまう人もいるんですよ。そうした人の場合、かけないと商品にはならない。逆に、ヴィブラートを必要としないということは、それでも成立する音程の持ち主であったり、または音の長さをちゃんと保つ肺活量がある人なんだと思うんです。ただ、そこまで行けてる人は少ないんじゃないですかね。でも小田さんは、しょっちゅうしょっちゅうヴィブラートはかけないですものね。ストレートはストレートのまま、ずーっと歌っていきますし…。そういう意味では根本さんも竹善さんも同じでね。お二人は“小田さんフリーク”といえばそうなんだろうし、なので今回、オフコースを歌うにしても、小田さんのそういうところもリスペクトしつつ、歌ってたんじゃないでしょうかね。



平原さんとは二人でがっぷり四つで濃い打ち合わせをしつつ決めました。そして「言葉にできない」も、基本はオフコースのオリジナルです。ただ、彼女が思い描いていた「言葉にできない」は、小田さんがここ最近もライブでやってらっしゃるようなピアノの弾き語りのように始まっていくものだったようで、オリジナルの通りの構成にしていたら、後半の間奏に出てくる “ ♪もう　今は～ ” のところは、彼女の知ってるヴァージョンにはなかったみたいでね。「これ、なあに？」て訊かれたんですね。なので「オフコースはこういうふうにやってるんだよ」って話をさせてもらったりして...。



そうですよね。でも今回は、その部分に関してはいきなりサビ始まりにして、イントロ入ってから本編、ということにさせて頂きました。でも平原さんと密にお話させて頂きつつ、よりドラマチックにドラマチックに、ということで作っていきました。



実は彼のことは以前から知ってまして、ピアノもすごく上手いし、彼の歌の特性も知ってる積もりだったんですけど、どっちかというと今回は、洋楽でいえばハリー・コニック・ジュニアみたいな感じになりましたね。さかい君じゃないと、あのアレンジでああいう風に歌うというのは無かったと思うんです。彼はアメリカに長く居たのもあるんでしょうけど、相の手のフェイクとか歌の終わり方の表現とか、向こうの白人のボーカリストのようなものを心得ていますよ。



今回、彼は一番最後の “ ♪まっすぐにぃ～ ” のところだけ深いヴィブラートかけて気持ち良く終っているんです。そうやって歌の全体のバランスをとるのが、天才的に上手い。あの歌には惚れます（笑）。さかい君がスタジオの階段のセットを降りてきて、降りるたびに一個ずつ電気がついていく、みたいな、昔のエド・サリヴァン・ショーとかの雰囲気が浮かぶんですね。ただ、テンポはオリジナルより落としてしまってますし、熱心なオフコースのファンの方から「原曲と違う」って言われそうだけど、あのアレンジだとあれがベストのテンポだったんですよ。



実は僕も、お仕事させて頂くまで存じ上げなかったんですよ。でもこの方はレコーディングももちろん、ライブが素晴らしかった。ライブでレベルが落ちていかない。むしろレコーディングよりスゴイ、さらに歌い込むほど凄くなる、という人でした。上白石さんと平原さんは“女性が歌うオフコース”という感じですけど、Ms.OOJA の場合はそのへんを超越してユニセックスのボーカルとでも言いますかね。ビックリしました。



彼はベルベット・ボイスで声を張らないし、マイクの近くで囁くようで、ジョアン・ジルベルトっぽい感じでね。最初は余裕で歌っているんですよ。でも最後に一瞬だけ線香花火の最後の輝きみたいにギアを１速に入れ、またすっと戻っていく、というか…。それが女性のハートを掴むんでしょうけどね。コンサートの時も、ファンの方々のペンライトにはびっくりしました。



ライブでは、「YES-NO」も彼が歌ってくれたんですけど、その時が凄かった。一瞬会場が、ソン・シギョンのコンサートになった、というか（笑）。



そうですね。彼はしっかりした日本語で歌ってくれますけど、発音の感じとしては無国籍的というか…、この言い方が正しいかは分かりませんが、いま仰ったみたいな客観的な雰囲気にはなりますね。それが彼の、日本語で歌う時の味なんでしょうね。



あれをやらせていただいたのは、もう四半世紀前とかになるんですよ。僕はこの仕事をはじめて30年くらいになるんですが、留学して帰ってきて、ちょっとして、くらいの時期でした。でも当時はね、「原曲に忠実にやるのはダメだ」と思い込んでいた時期でして、演歌の依頼がきても、ものすごく自分のテイストに変えてたんですよ。それで一回、歌手の人から怒られたこともあって（笑）。前田憲男さんに、「オマエ、演歌は変えなくていいんだよ」って言われたりもして。なので「愛の唄」をやらせて頂いた時も、自分としては、すごくデフォルメしちゃったかな、という想いだったんですけど。



小田さんのラジオの特番でコメントさせて頂いた時に、まさか僕がさせて頂いた質問というのが、「詞を先に書くか曲を先に書くか」だったんですが、想像していた通り、小田さんは曲が先だという話でね。曲を先に書く人というのは、メロディにつける和音、ハーモニーを気になさっていると思うんですが、この曲をアレンジさせていただいた時も、オフコースはコーラス・ワークもきちっとされてて、小田さんはハーモニーが大好きだということを感じましたけどね。僕もメロディの和音の部分が大好きなので、そういうところは小田さんと僕は似てるかも知れない。自分が曲をアレンジする時も、そこが蔑ろになることは絶対にないし、なので小田さんが僕の「愛の唄」のアレンジを気に入ってくださったなら、和音を大事にハーモニーを充足させていったあたりなのかな、という気はしていますけどね。




実は最後に、盛り上がって欲しいという下心もあったもんですから、リハーサルのあとで曲順を少しいじったりもしました。でも、オーケストラの演奏をちゃんと座って聴いて頂きたい部分も当然あって、このふたつがひとつに繋がったとは思うんです。どっちに気を遣うわけじゃなく、自由な雰囲気のなかでね。ただ、それもオフコースの楽曲のお陰なんですよ。オフコースの曲なら、オーケストラに落とし込んだクラシックのスタイルでも出来ますし、そこにボーカリストが入っても成立するし、「YES-NO」や「YES-YES-YES」のように、リズムがしっかり入った盛り上がれるものもありますしね。その両方を包み込んで、こうした形態のコンサートを成立させ得るのがオフコースの音楽性ということでしょうけど。



それがあってこそ、僕もそこからインスパイアすることが出来るんですからね




先ほども少し触れましたが、和声がお好きなんだなぁ、とは思います。小田さんの音楽には、和声による様々な色彩がありますからね。単にGとFとCで出来てるだけじゃないんですよ。もっと複雑なテンション系の和音も入ってますし、様々な仕掛けもありますしね。



例えば「YES-NO」なら、イントロからたった３つの８分音符でいきなり違う調へ変わっていく。こういうことすると、そもそも歌いづらいと思いますし、普通はしないんですよ。あとこれは、『オフコース・クラシックス』のCDの解説でも言いましたけど、「YES-NO」というのはメロディを二つ提示しつつ繰り返し、最後にそれが大団円とともにひとつに重なる、みたいなことにもなっているんです。ミュ－ジカルでは使う手法ですが、そういう音楽的なトライもやってらっしゃいますね。



あー、そうなんですか、小田さんはバーンスタインやミッシェル・ルグランなども聴いてこられたんですね。でもそれは感じますよ。納得です。「I LOVE YOU」なんかも、とてもヨ－ロッパ的ですしね。